Napoli – Le canzoni più iconiche della storia della musica napoletana non sono nate dallo studio e dalla ricerca di esperti del settore, ma, quasi sempre, da geniali guizzi di persone comuni: poesie pensate e scritte in una situazione e poi passate alla storia. Giuseppe Capaldo, nel 1918, era cameriere al caffè Portoricco, in via Sanfelice a Napoli.
Ogni giorno, mentre lavorava, osservava innamorato la bella Brigida, cassiera del locale. La donna aveva tantissimi corteggiatori, molti clienti cercavano di scambiare due parole con lei. Tuttavia, forse perché abituata ed infastidita a quelle continue avances, Brigida scacciava tutti con freddezza: il nostro Giuseppe non aveva alcuna possibilità.
Un giorno il giovane guardò la donna, guardò una tazza di caffè bollente che stava servendo e sentì quella scossa che solo i veri poeti possono avere. Prese carta e penna ed iniziò a paragonare l’amata ad una tazza di caffè: amara, ma in grado di diventare dolce nel caso in cui si aggiungesse lo zucchero e si avesse la costanza di girarlo nella tazzina.
Non sappiamo se con questa poesia Giuseppe riuscì effettivamente a conquistare l’algida Brigida, ma sappiamo per certo che mostrò quando aveva scritto al cavalier Vittorio Fassone che, appassionato di musica, decise subito di comporre per trasformarla in canzone. “‘A tazza ‘e cafè” non avrà addolcito un cuore, ma è diventata una delle canzoni napoletane più amate e conosciute al mondo, vantando interpreti del calibro di Roberto Murolo, Claudio Villa e Renzo Arbore.
Di seguito il testo completo ed un video in cui viene cantata da Murolo:
Vurría sapé pecché si mme vedite, facite sempe ‘a faccia amariggiata… Ma vuje, quanto cchiù brutta ve facite, cchiù bella, a ll’uocchie mieje, v’appresentate… I’ mo nun saccio si ve n’accurgite!
Ma cu sti mode, oje Bríggeta, tazza ‘e café parite: sotto tenite ‘o zzuccaro, e ‘ncoppa, amara site… Ma i’ tanto ch’aggi”a vutá, e tanto ch’aggi”a girá… ca ‘o ddoce ‘e sott”a tazza, fin’a ‘mmocca mm’ha da arrivá!…
Cchiù tiempo passa e cchiù v’arrefreddate, ‘mméce ‘e ve riscaldá…”Caffè squisito!…” ‘o bbello è ca, si pure ve gelate, site ‘a delizia d”o ccafé granito… Facenno cuncurrenza â limunata…
Ma cu sti mode, oje Bríggeta, …………………………………………
Vuje site ‘a mamma d”e rrepassatore?… E i’, bellezza mia, figlio ‘e cartaro!… Si vuje ve divertite a cagná core, i’ faccio ‘e ccarte pe’ senza denare… Bella pareglia fóssemo a fá ‘ammore!
La canzone “Palomma e notte” è nata da una poesia del grande Salvatore Di Giacomo dedicata alla sua donna, Elisa Avignano (altresì riportato “Avigliano”).
Gli amanti si conobbero nel 1905 e tra i due c’era un consistente divario d’età. Il poeta aveva 45 anni mentre la donna ne aveva 26. Di Giacomo era già conosciuto, i suoi versi venivano decantati in tutto il mondo ed attorno alla sua persona si era creata un’aura romantica e sognante, capace di far innamorare tutte le ragazze ed in particolare Elisa.
La donna stava compiendo gli studi per divenire un’insegnante. Il suo scopo era quello di rendersi indipendente dall’ingombrante protezione della famiglia; situazione molto rara per quella che era la mentalità nella quale erano imbrigliate le donne nella società del tempo.
La sua dinamicità e forza d’animo furono testimoniate da una lettera che la ragazza scisse al Di Giacomo nella quale lei confessò il suo amore per il poeta, altra cosa poco consueta per l’epoca. Elisa però non era l’unica donna nella vita di Salvatore che, pur non essendo sentimentalmente legato a nessuno, aveva un rapporto molto intenso con la propria madre.
L’amore tra Di Giacomo ed Elisa Avignano fu tormentato e travolgente allo stesso tempo. I litigi erano all’ordine del giorno sia per l’invadenza della madre del poeta e sia per le turbe di quest’ultimo, che accusava la sua compagna – poi moglie, quando la sposò nel 1916 – di infedeltà. Il matrimonio tra i due fu celebrato soltanto dopo la morte della madre del poeta.
Alla morte del Di Giacomo, sopraggiunta il 5 aprile del 1934, Elisa Avignano impazzì dal dolore e distrusse tutte le lettere e le poesie che il marito le aveva scritto nel corso della loro relazione. Fortuna volle che casualmente la donna, nella sua opera di “distruzione” dimenticasse un cassetto dove c’erano gli scritti che andavano dal 1906 al 1911.
Grazie a queste carte non solo è stato possibile ricostruire la storia di questo grande e complesso amore, ma anche trovare la poesia che appunto è diventata quel grande classico della canzone napoletana “Palomma ‘e notte”. Il testo Di Giacomo venne musicato nel 1907 da Francesco Buongiovanni, ma solo grazie a quel ritrovamento fu possibile ricostruire la storia che celava.
Il testo ha per protagonista una farfalla che rischia di bruciarsi poiché tende ad avvicinarsi troppo ad un lume. Anche lo scrittore resta abbagliato dalla fiamma e per allontanare la farfalla, salvaguardandola dal suo destino, finisce per bruciarsi. È evidente che la “palomma” sia Elisa e Salvatore, nel tentativo di allontanarla, ne resta bruciato.
Di seguito il testo di Palomma ‘e notte:
Tiene mente ‘sta palomma,
Comme ggira, comm’avota,
Comme torna ‘n’ata vota
‘Sta ceroggena a ttentà!
Palummè, chist’è ‘nu lume,
Nun è rosa o giesummino,
E tu a fforza ccà vvicino
Te vuò mettere a vulà!
Vattenne ‘a lloco!
Vattenne, pazzarella!
Va’, palummella, e torna,
E torna a ‘st’aria
Accussì fresca e bella!
‘O bbì ca i’ pure
Mm’abbaglio chianu chiano,
E ca mm’abbrucio ‘a mano
Pe’ te ne vulè caccià?
Carulì, pe’ ‘nu capriccio,
Tu vuò fà scuntento a ‘n’ato
E po’, quanno ll’hê lassato,
Tu, addu ‘n’ato, vuò vulà.
Troppe core staje strignenno
Cu ‘sti mmane piccerelle;
Ma fernisce ca ‘sti scelle
Pure tu te può abbrucià.
Vattenne ‘a lloco!
Vattenne, pazzarella!
Va’, palummella, e torna,
E torna a ‘st’aria
Accussì fresca e bella!
‘O bbì ca i’ pure
Mm’abbaglio chianu chiano,
E ca mm’abbrucio ‘a mano
Pe’ te ne vulè caccià?
Torna, va’, palomma ‘e notte,
Dint’a ll’ombra addò sì nnata!
Torna a ‘st’aria ‘mbarzamata
Ca te sape cunzulà!
Dint’ ô scuro e pe’ mme sulo
‘Sta cannela arde e se struje,
Ma c’ardesse a tutt’ ‘e dduje,
Nun ‘o ppozzo suppurtà!
Vattenne ‘a lloco!
Vattenne, pazzarella!
Va’, palummella, e torna,
E torna a ‘st’aria
Accussì fresca e bella!
‘O bbì ca i’ pure
Mm’abbaglio chianu chiano,
E ca mm’abbrucio ‘a mano
Pe’ te ne vulè caccià?
Napoli – La canzone napoletana è sempre stata la manifestazione della poesia della nostra terra. Ci sono canzoni che è impossibile non conoscere, che da sole possono rappresentare a pieno l’arte di un popolo. “Carmela” è una di queste. A differenza di molte altre opere iconiche, questa è particolarmente recente: venne scritta dal poeta Salvatore Palomba e musicata ed interpretata da Sergio Bruni nel 1976. Molti, infatti, l’hanno definita il passaggio fra la canzone napoletana classica e la moderna.
La poesia composta da Palomba è questa:
Stu vico niro nun fernesce maie
E pure o sole passa e se ne fuje
Ma tu stai lla, tu rosa, preta e stella:
Carmela.
E chiagne sulo si nisciuno vede E strille sulo si nisciuno sente Ma nun è acqua ‘o sanghe dint’ ‘e vvene Carmela.
Si ll’ammore è ‘o ccuntrario d’a morte E tu ‘o ssaie, si dimane è sultanto speranza, e tu ‘o ssaie.
Nun me può fa’ aspettà fino a dimane: astrigneme int’ e braccia pe stasera, Carmela. Carmè.
Possiamo notare che il tema sembrerebbe essere il classico delle canzoni napoletane più amate: il poeta desidera una donna, in questo caso Carmela, che però sembra reticente all’amore. Carmela, come tante muse, prova quello che prova l’amante ma si trattiene, aspetta, si priva da sola del piacere nonostante il sangue che le scorre nelle vene non sia acqua e pulsi d’amore. Eppure, il vero significato della canzone non è così semplice e banale.
Come lo stesso Salvatore Palomba ha raccontato in seguito Carmela non è soltanto una donna, ma rappresenta tutta Napoli. La speranza del poeta non è di raggiungere le braccia dell’amata, ma che la città da lui amata possa rialzarsi, possa vedere la luce dopo il “vico niro” nel quale è sprofondata. Se è vero che l’amore è il contrario della morte, come recita la canzone, è a quello che la città deve aggrapparsi per tornare a vivere: all’amore della sua gente, non alla morte sociale voluta da pochi.
Lo stesso verso che recita “tu rosa, preta e stella” potrebbe raffigurare i vari aspetti di Napoli: la rosa simbolizza la dolcezza, l’amore del nostro popolo, il lato umano ed emotivo; la pietra è il suo lato duro, testardo, quel peso che trascina in basso; la stella è la smisurata bellezza, è la potenzialità inespressa, la luce che potrebbe davvero emanare.
Bruni non cantò l’amore di un uomo, ma l’amore di un popolo, la speranza nei confronti di un domani che, negli anni ’70 e ’80, sembrava così lontano per i napoletani. Forse, oggi la situazione sta migliorando: Carmela chiagne sulo si nisciuno vede, ancora, ma la sua voce, quando urla, ha iniziato a farsi ascoltare ed a far paura.
Qui di seguito un’intervista a Salvatore Palomba del canale Tarantelluccia:
La “Canzone di giacca” è un vero e proprio fenomeno di costume. Le caratteristiche musicali non sono particolarmente rilevanti, la melodia è più incalzante di quella di altri generi. La struttura ritmica è quella della serenata spagnola o del tango. Le canzoni venivano denominate in questo modo perché i cantanti specializzati in questo repertorio erano vestiti sempre con giacca, cravatta, cappello e tutto quello che proponeva la moda maschile dell’epoca. Il cantante doveva impersonare una figura che al vestiario teneva moltissimo: il guappo.
Lo status di guappo non era certo ereditario, si raggiungeva con un percorso fatto di rischi, sangue, obbedienza e di totale annullamento di sé in vista dei fini di quella che allora si chiamava “onorata società”. Una volta raggiunta questa posizione, andava ostentata attraverso una serie di simboli di potere e benessere, tra i quali l’eleganza nel vestire che era al primo posto perché percepibile da tutti.
Il guappo agiva anche insieme ad altri e quindi era soggetto a gerarchia. Nella sua zona di residenza era considerato un re assoluto, dispensava grazie o punizioni, padrone della vita e della morte. Al guappo veniva chiesto di essere uomo tutto di un pezzo, senza cedimenti; poteva anche fare del bene, ma in nome della giustizia e non del sentimento. Il guappo era punto di riferimento degli abitanti del quartiere.
Questo genere musicale è stato quello più bistrattato, ciò dovuto al fatto che le canzoni che rientravano in questo genere venivano chiamate anche “Canzoni di Malavita”.
Una delle più celebri “Canzoni di Giacca” è “Guapparia“, brano in lingua napoletana scritta nel 1914 daLibero Bovio, le musiche che accompagnano il testo sono di Rodolfo Falvo. È un classico brano della canzone napoletana. Parla di un guappo che per amore della sua donna (Margherita), ha perso il suo onore di uomo malavitoso. È formata da tre strofe, formate a loro volta da due quartine e un verso singolo.
Tanti gli artisti che hanno cantato il celebre brano: Mario Abbate, Sergio Bruni, Franco Califano, Renato Carosone, José Carreras, Franco Corelli, Mario Da Vinci, Sal da Vinci, Mario Del Monaco, Milva, Peppino Di Capri, Giuseppe Di Stefano, Gabriella Ferri, Aurelio Fierro, Nunzio Gallo, Mario Merola, Mina, Roberto Murolo, Eddy Napoli, Massimo Ranieri, Giacomo Rondinella, Lina Sastri, Tito Schipa, Bobby Solo, Gabriele Vanorio, Bruno Venturini, Claudio Villa, Luciano Virgili.
Nel 1984 “Guapparia” diventa un film diretto da Stelvio Massi, con protagonistiMario Merolae Ida Di Benedetto. Questo è l’ultimo film interpretato da Mario Merola come protagonista.
Il testo di Guapparia:
Scetateve, guagliune ‘e malavita, Ca è ‘ntussecosa assaje ‘sta serenata! Io songo ‘o ‘nnammurato ‘e Margarita Ch’è ‘a femmena cchiù bella d’ ‘a ‘Nfrascata. Ll’aggio purtato ‘o capo cuncertino P’ ‘o sfizio ‘e mme fà sentere ‘e cantà. Mm’aggio bevuto ‘nu bicchiere ‘e vino Pecché stanotte ‘a voglio ‘ntussecà. Scetateve, guagliune ‘e malavita! È accumparuta ‘a luna a ll’intrasatto Pe’ lle dà ‘o sfizio ‘e mme vedè distrutto. Pe’ chello che ‘sta femmena mm’ha fatto, Vurria ch’ ‘a luna se vestesse ‘e lutto. Quanno se ne venette â parta mia, Ero ‘o cchiù guappo ‘e vascio â Sanità. Mo, ch’aggio perzo tutt’ ‘a guapparia, Cacciatemmenne ‘a dint’ ‘a suggità! Scetateve, guagliune ‘e malavita! Sunate, giuvinò, vuttate ‘e mmane! Nun v’abbelite, ca stò buono ‘e voce! I’ mme fido ‘e cantà fino a dimane E metto ‘ncroce a chi mm’ha miso ‘ncroce. Pecché nun va cchiù a tiempo ‘o mandulino? Pecché ‘a chitarra nun se fa sentì? Ma comme? Chiagne tutt’ ‘o cuncertino, Addò ch’avess’ ‘a chiagnere sul’i’. Chiagnono ‘sti guagliune ‘e malavita.
Dopo gli oggetti e gli abiti taroccati anche le canzoni diventano “cinesate”, o meglio spopolano le versioni cinesi dei grandi successi italiani. Da Laura Pausini a Toto Cutugno da Caparezza alla versione di “‘O sole mio”, insomma sembra che la Cina ami le canzoni italiane. Così, un grande successo napoletano, una canzone bellissima e romantica è stata realizzata da una cantante italiana nella lingua cinese: parliamo di I’ te vurrià vasà.
Francesca Fariello, anno 1983, napoletana doc ma appassionata di culture orientali, ha regalato tre versioni differenti del capolavoro musicale di Vincenzo Russo: oltre che nella versione classica è possibile ascoltarla in quella inglese e cinese. La musicalità rimane inalterata. Gli arrangiamenti delle tre versioni vedono la collaborazione di Antonio Gillo.
Come si legge su Il Corriere del Mezzogiorno, la Fariello spiega la versione cinese del brano: “Ho voluto sottolineare il legame con la musica della mia città proponendo un’idea di napoletanità in sintonia con il carattere interculturale della società contemporanea. Una mia declinazione della storica propensione della canzone napoletana a diffondersi nel mondo”.
Se ad un orecchio tradizionalista il brano potrebbe stridere, è comunque un modo per far conoscere la canzone napoletana in tutto il mondo, anche nell’estremo Oriente. Nel videoclip di ‘I te vurrià vasà Francesca Fariello diventa la sirena Aneris, dall’anima rock.
La storia della canzone napoletana passa attraverso epoche diverse. Già nel XIII secolo si parlava, tra le ‘aule’ dell’università Partenopea (fondata da Federico II di Svevia), di prime forme di canzoni, perlopiù sotto forma di poesia. Intorno al ‘400 iniziarono a svilupparsi testi più complessi, in forma di ballate e, in seguito, formalizzandosi nelle così dette “villanelle”(ovvero una composizione, principalmente di genere profano con temi riguardanti la vita rustica, e la satira), cui primi fautori furono proprio i napoletani.
L’Ottocento vide l’ulteriore sviluppo delle villanelle in ritmi più complessi che furono alla base dei ritmi caratterizzanti latarantella, in tutte le sue forme regionali del Sud Italia.
La canzone napoletana è stata per secoli mezzo di diffusione di moti popolari, come per ‘0 Cunto ‘e Masaniello – o il Canto dei Sanfedisti, o Italiella, cui testo satirico denunciava la condizione delle popolazioni meridionali al momento dell’Unità d’Italia.
A voler fare una ricerca filologica di molti di questi testi hanno lavorato, negli anni Sessanta, diversi gruppi, primo fra tutti la Nuova Compagnia di Canto Popolare (NCCP), fondata nel 66’ da Eugenio Bennato, Carlo D’Angiò, Roberto de Simone, Giovanni Mauriello, successivamente ‘raggiunti’ da Peppe Barra, Patrizia Schettino, Patrizio Trampetti, Fausta Vetere e Nunzio Areni. La Compagnia contribuì fortemente alla realizzazione di antichissimi brani della tradizione popolare, restituendone il suono, che altrimenti sarebbe stato dimenticato (essendo molti di questi trasmessi oralmente).
La canzone napoletana (in particolare quella popolare) è stata veicolo della voce di un popolo (come quello napoletano) con un forte senso di comunità, a tratti rivelatosi “ingovernabile” per coloro che tentarono di gestire la loro individuale libertà – un popolo abituato a resistere, che per secoli si è dimostrato capace di grandi rivoluzioni, tutte, in un certo senso direzionate dalla canzone popolare, stendardo di ogni moto sviluppatosi a Napoli nel corso degli anni, dalle restaurazioni Borboniche della rivoluzione francese all’immediato secondo dopoguerra.
La canzone napoletana è il lascito dei nostri antenati, fonte scritta di informazione non solo riguardo ad eventi e tragedie, ma anche veicolo di trasmissione di veri e propri sentimenti popolari.
Fonti
– Pasquale Scialo, La canzone napoletana
– Vittorio Palliotti, Storia della Canzone Italiana
– Ettore De Mura, Enciclopedia della Canzone Napoletana
Napoli è tutto e il contrario di tutto. Napoli è mille contraddizioni, “mille culure”. Napoli è ispirazione, tesoro inesauribile, Musa di mille poeti. Alla nostra città sono stati dedicati pensieri e parole, tante parole, molte diventate poi musica. E musica diventata colonna sonora della sua bellezza. In questo articolo vogliamo citare alcune delle più belle canzoni dedicate al capoluogo partenopeo:
Napule è
E’ il marchio più forte e soprattutto indelebile dell’indimenticato e indimenticabile Pino Daniele. Contenuto nel suo album d’esordio “Terra Mia”, del 1977, questo brano è una vera e propria dichiarazione d’amore alla città. La melodia è tanto dolce quanto malinconica, il testo racconta la più grande verità di Napoli: “Napul’è na carta sporca e nisciuno se ne importa”. “Napule è tutto nu suonno. E a’ sape tutto o’ munno. Ma nun sanno a’ verità”. Non la sanno perché solo chi la ama veramente sa che Napoli è bellezza ma anche contraddizioni, e per questo è unica al mondo.
Il grande Pino ha amato Napoli fino alla fine dei suoi giorni, pur non vivendola più nel quotidiano. Oltre a Napule è, ha firmato un altro capolavoro, “Terra mia”. Note commoventi, a tratti struggenti, che raccontano ancora il senso di rassegnazione che spesso affligge i napoletani, tanto innamorati della propria terra, quanto impotenti nei confronti di chi la distrugge. “Comm’è triste e comm’è amaro st’assettato e guarda tutt’è cose, tutt’e parole ca niente pònno fà”.
Da un successo più romantico a un altro più allegro, almeno nel ritmo. Era il 1992 quando Claudio Mattone scrisse “A città ‘e Pulecenella”, un brano che fa parte del celebre musical “C’era una volta…Scugnizzi”. La canzone è una serenata che racconta di un progresso che diventa nemico di Pulcinella, la maschera classica napoletana, che infatti si rifiuta di uscire dal suo sogno e vedere l’avanzare dei costumi e delle mode che non appartengono più all’anima verace della vecchia Napoli. Nel testo un messaggio bellissimo e sempre attuale: “Me dispiace sulamente Ca l’orgoglio ‘e chesta gente Se murtifica ogni juorno Pe’ ‘na manica ‘e fetiente Ca nun teneno cuscienza E nun teneno rispetto”.
Con ‘O sole mio parliamo di un classico napoletano per eccellenza, conosciuto e amato in tutto il mondo, oltre che tradotto praticamente in tutte le lingue. Il brano risale al 1898 e gli autori sono Giovanni Capurro, Eduardo Di Capua, Alfredo Mazzucchi. La più grande interpretazione di questa canzone rimane, probabilmente, quella di Enrico Caruso, ma sono tantissimi gli artisti ad averlo interpretato: da Elvis Presley, col titolo di “It’s Now or Never“, a Frank Sinatra, Elton John, Luciano Pavarotti, Claudio Villa, Roberto Murolo, Domenico Modugno, Dalida, Mina, Albano, Andrea Bocelli, Pino Daniele e tanti altri. Patrimonio musicale mondiale, ‘O sole mio è dedicata a Napoli, dove splende sempre il sole, simbolo di gioia, positività e voglia di vivere e di amare.
“Napoli” di Nino D’Angelo, colonna sonora del film “Quel ragazzo della curva B” del 1987, è stata per anni l’inno ufficiale del Napoli. La canzone è appunto un inno festoso per la città, per l’azzurro del suo cielo e delle maglie della squadra. Il film è ambientato nell’anno del primo scudetto del Napoli. Dal brano traspare tutta la passione del tifoso azzurro! “ ‘A bandiera tutta azzurra ca rassumiglia ‘o cielo e ‘o mare ‘e sta città.. Forza Napoli! rint’all’uocchi ‘e ste guaglione ca se scordano ‘e problemi e se mettono a cantà…”.
Questa meravigliosa canzone è stata scritta da Salvatore Di Giacomo nel 1886, che ha ispirato anche il film “A Marechiaro ‘nce stà na fenesta”, con la regia di Elvira Notari. Di Giacomo scrisse questa canzone senza conoscere il posto che anticamente era chiamato “Santa Maria del Faro”, anzi si dice che la compose seduto a un tavolino del Caffè Gambrinus. Solo molti anni dopo andò a vedere davvero Marechiaro. “Quanno sponta la luna a Marechiarepure li pisce nce fann’ a l’ammore,se revotano l’onne de lu mare,pe la priezza cagneno culorequanno sponta la luna a Marechiare”.
Scritta dal paroliere Michele Galdieri e dal musicista Alberto Barberis, questa è la prima e la più famosa canzone napoletana tra quelle del dopoguerra. I versi sono bellissimi e danno voce a un emigrante e al suo desiderio di tornare a Napoli. Al contempo, però, traspare la sua paura di trovare una città distrutta dalla guerra. Il testo riporta fedelmente il sentire di un’Italia alla fine del conflitto mondiale, che partendo da un paesaggio di rovine deve affrontare un mondo completamente nuovo e diverso. Il monastero di Santa Chiara, distrutto dai bombardamenti, diventa così simbolo dell’angoscia di Napoli e di tutto il paese alla vigilia della ricostruzione. “Dimane?…Ma vurría partí stasera! Luntano, no…nun ce resisto cchiù! Dice che c’è rimasto sulo ‘o mare, che è ‘o stesso ‘e primma…chillu mare blu!”.
‘A Pizza è una canzone napoletana scritta da Alberto Testa con le musiche composte da Giordano Bruno Martelli. Negli anni è stata interpretata da diversi artisti del panorama musicale tra cui Renato Carosone, Aurelio Fierro, Giorgio Gaber, Mauro Nardi, Domenico Modugno e tanti altri. Presentata al 14° Festival della Canzone Napoletana nel 1966 la canzone dedicata al piatto italiano più famoso al mondi si ottenne il secondo posto.
Il testo racconta la storia d’amore di due innamorati. Il testo cita i vari momenti dall’incontro al matrimonio. Precisamente si annovera il fatto che il giorno dell’incontro il protagonista maschile rimane folgorato da cotanta bellezza della dama da volerle donare un brillante di quindici carati e che lui rifiutò perché al diamante preferiva la pizza quella tradizionale con il pomodoro sopra. Voleva solo quello la pizza e nient’altro.
Il testo continua raccontando che un giorno il ragazzo portò la sia fidanzata al ristorante e le offrì un menù a base di pesce, la ragazza ancora una volta fece capire che non voleva il pranzo di pesce ma volava la pizza perché non esisteva cosa più buona per lei che la pizza. In conclusione il testo cita il giorno delle nozze con tanti invitati e che tra balli e canti ad un certo punto arrivò una grandiosa torta nuziale di cinque piani, ma la sposa anche alla torta preferiva la pizza.
È un omaggio ad un piatto unico al mondo che a Napoli è celebrato dai napoletani e dai turisti. Oggi la pizza ha tane varianti, ma sicuramente quella della tradizione con il classico pomodoro resta sempre quella più amata. La più celebre al mondo è la pizza Margherita.
Testo della canzone ‘A Pizza
Io te ‘ncuntraje
na vocca rossa comm’a na cerasa
na pelle prufumata ‘e fronne ‘e rose
io te ‘ncuntraje
volevo offrirti
pagandolo anche a rate
nu brillante
‘e quínnece carate
ma tu vulive ‘a pizza
‘a pizza, ‘a pizza
cu ‘a pummarola ‘ncoppa
cu ‘a pummarola ‘ncoppa
ma tu vulive ‘a pizza
‘a pizza, ‘a pizza
cu ‘a pummarola ‘ncoppa
‘a pizza e niente cchiù
io te purtaje
addó’ ce stanno ‘e meglie risturante
addó’ se mangia mentre ‘o mare canta
io te purtaje
entusiasmato ‘a tutte st’apparate
urdinaje
nu cefalo arrustuto
ma tu vulive ‘a pizza
io te spusaje
‘o vicinato e ‘a folla de pariente
facevano nu sacco ‘e cumplimente
io te spusaje
all’improvviso
tra invite e battimane
arrevaje
na torta ‘e cinche piane
Il nome di Renato Carosone richiama immediatamente nel cuore di ogni napoletano quel “Canta Napoli…” che ha fatto divertire, ballare, sognare ed innamorare mezzo mondo. I successi più celebri dell’artista raccontano la napoletanità in ogni suo aspetto più esilarante, mostrano le contraddizioni e le bizzarrie di un popolo che, dopo il conflitto mondiale, voleva trovare un sorriso in qualunque cosa. Le musiche veloci, leggere, quasi etniche per il tempo facevano da cornice a questi spacchi di vita.
Eppure, la canzone che portò Renato Carosone alla fama globale che gli viene riconosciuta ancora oggi è ben diversa dalle sue solite opere.“Maruzzella” è una poesia, quasi una preghiera di un innamorato disperato, una scia di emozioni che lambisce e travolge orecchie e cuore di qualunque ascoltatore, pur non comprendendo il testo.
In napoletano la “maruzza” è la lumaca di mare e quindi il diminutivo “maruzzella” indica le lumachine, le chioccioline. Per somiglianza può essere definita “maruzzella” anche una piccola ciocca di capelli che abbia la forma attorcigliata di un guscio. Nel caso della canzone, però, Maruzzella è un nome e precisamente il diminutivo di Marisa. Mentre Carosone componeva la musica della canzone, infatti, decise di dedicarla alla moglie, che si chiamava appunto Marisa, Maruzzella.
Il testo arrivò dopo scritto da Enzo Bonagura, vero e proprio poeta che riuscì a riunire in quel nome tutti i significati possibili. Della Maruzzella cantata sappiamo solo che è una giovane donna amata dal protagonista, un uomo che ha votato tutta la sua esistenza a quell’amore. Ma la persona tanto desiderata è sfuggente come le onde, la sua volontà increspata e insondabile, in grado con un solo bacio di addolcire o avvelenare l’uomo allo stesso tempo. Un rapporto sbilanciato che diventa evidente dalla prima strofa:
Maruzzella, Maruzzè
t’e’ miso dint’a ll’uocchie
‘o mare e m’e’ miso
mpietto a mé nu dispiacere.
Stu core mme faje sbattere
cchiù forte ‘e ll’onne
quanno ‘o cielo è scuro:
primma mme dice sì,
po’ doce doce mme faje murí
Maruzzella non ha solo il mare negli occhi: lo porta nel nome, lo porta nell’animo. Anche in napoletano una persona o un bambino ingestibile, inafferrabile e incontrollabile viene definita “maruzza”. Il cantante, il protagonista sa bene che non avrà mai un “sì” completo da quella donna, non potrà farla sua così come non si può afferrare una lumaca di mare, non si possono arginare le onde.
Eppure lui continua a desiderarla, spinto da un amore univoco e dai pochi spiragli di speranza lasciati da Maruzzella, continua a invocare il suo nome per chiedere aiuto, continua a soffrire nelle piccole gioie che lei gli concede. Non stupisce che una simile canzone abbia raggiunto un successo quasi immediato quando uscì, nel 1956.
Renato Carosone in una scena del film “Maruzzella”
Dopo essere stata interpretata dallo stesso Carosone venne cantata da Claudio Villa. Nello stesso anno della sua uscita il regista Luigi Capuano prese spunto dal testo per il film “Maruzzella”, dove nel cast appariva lo stesso Carosone. Si trattava di un “musicarello”: quel genere di film tanto in voga in quegli anni che costruivano una storia più o meno complessa su una canzone del momento, con risultati talvolta poco entusiasmanti; gli antenati degli odierni videoclip.
Nel corso degli anni è stata usata e reinterpretata per tantissime altre produzioni fra cui spiccano: il film “Nella città l’inferno”, dove viene cantata da Anna Magnani; Martin Scorsese la usa come colonna sonora per il film del 1973 “Mean Streets” e John Turturro in “Passione”, docufilm su Napoli in cui Maruzzella viene straordinariamente interpretata da Gennaro Cosmo Parlato. Ad oggi, la canzone composta da Carosone per la moglie Marisa è una delle opere più conosciute e cantate al mondo.
“Vurria” è il titolo di una delle canzoni più belle del panorama della musica napoletana. Nata nel 1958 dall’unione di due grandi della musica. Il testo infatti è stato scritto da Antonio Pugliese, mentre la musica è stata composta da Furio Rendine. Tanti gli artisti napoletani e non, che hanno interpretato il brano, quali: Aurelio Fierro, Nunzio Gallo, Claudio Villa, Mario Merola, Roberto Murolo, Sergio Bruni, José Carreras, Placido Domingo e Mario Del Monaco.
Un testo struggente unito all’emozionante musica, racconta il desiderio e la voglia di tornare a Napoli, di chi per motivi di lavoro o altro ha dovuto lasciare la città e la persona amata. È la storia di un uomo che in una stanza fredda e buia ha nostalgia di Napoli, della sua terra e della persona amata. Una solitudine che è quasi una malattia una “Freva”, una smania, una collera, che il protagonista vive nel non poter vedere la propria città.
Basterebbe “un’ora sola” cita il testo, un’ora sola di Napoli della sua vitalità rappresentata da mille mandolini per superare lo stato d’anima del protagonista. La lontananza che viene vissuta come una croce. Un amore, una voglia talmente forte di ritornare nella sua città, dalla sua amata, tanto da sognarla di notte. La canzone è un vero e proprio inno per chi è lontano da Napoli, ieri come oggi. Sono tanti i napoletani sparsi nel mondo che vivono un sentimento di nostalgia verso la tanto amata città.
Il brano ha anche ricevuto premi importanti ed è stato utilizzato come colonna sonora di “Terra Nostra” una telenovela brasiliana andata in onda anche in Italia, che racconta proprio la storia di emigranti italiani che si sono trasferiti in Brasile.
Di seguito il testo originale in lingua napoletana.
“Vurria”
Dint’a na stanzulélla fredda e scura,
addó’ na vota ce traseva ‘o sole,
mo stóngo io sulo…e tengo na paura
ch’a poco a poco, mme cunzuma ‘o core…
Paura ca mme struje ‘sta malatia
senza vedé cchiù Napule,
senza vedé cchiù a te…
Vurría turná addu te,
pe’ n’ora sola,
Napule mia…
pe’ te sentí ‘e cantá
cu mille manduline…
Vurría turná addu te
comm’a na vota,
ammore mio…
pe’ te puté vasá,
pe’ mme sentí abbracciá…
‘Sta freva
ca nun mme lassa maje!
‘Sta freva
nun mme fa cchiù campá…
Vurría turná addu te
pe’ n’ora sola,
Napule mia…
Vurría…vurría…vurría…
ma stóngo ‘ncróce!
Stanotte, dinto suonno, si’ turnata…
Mm’accarezzave, chiano, ‘sta ferita…
Aggio sentuto mille serenate,
aggio sentuto Napule addurmuta…
Po’, ‘mmiez’a tanta nebbia, só’ caduto…
senza vedé cchiù Napule, senza vedé cchiù a te!…
Numerose sono le vecchie canzoni popolari della tradizione napoletana che, nonostante il trascorrere del tempo, ancora oggi continuano a rallegrarci le giornate con il loro ritmo travolgente. Tra le più famose vi è una canzone napoletana scritta nel 1944 da Giovanni Ermete Gaeta e da Edoardo Nicolardi.
Si tratta della “Tammurriata nera” che trae ispirazione da un episodio al quale Nicolardi aveva assistito presso il reparto maternità dell’Ospedale Loreto Mare di Napoli, ove egli era dirigente amministrativo. In quel periodo, a causa della presenza in città di soldati afro-americani, numerose giovani donne napoletane avevano partorito bambini di colore causando, come quel giorno, scompiglio e perplessità nella società dell’epoca. Un po’ come è successo, recentemente, nel casertano. La canzone apparentemente allegra e ironica nasconde invece il tragico fenomeno storico delle “Marocchinate“, avvenuto nel centro e sud Italia alle donne vittime di violenza da parte dei soldati afro-americani.
La canzone, scritta a quattro mani dagli autori delle altrettanto note “Voce ‘e notte” e “La canone del Piave”, narra per l’appunto di una giovane donna che mette alla luce un bambino di colore, concepito da un soldato durante l’occupazione americana. Il testo ironizza sul fatto che per quanto la donna si sforzi di rigirare continuamente i punti di vista, scegliendo anche di dare al bambino un nome tipicamente napoletano, quest’ultimo è e continua a essere di colore.
“Seh vota e gira seh, seh gira e vota seh ca tu ‘o chiamme Ciccio o ‘Ntuono ca tu ‘o chiamme Peppe o Ciro chillo ‘o fatto è niro niro, niro niro comm’a cche…”
Per quanto la versione maggiormente nota di “Tammurriata nera” sia quella registrata nel 1974 dalla Nuova Compagnia di Canto Popolare, che rimase nella hit parade dei singoli più venduti in Italia per diverse settimane, essa fu lanciata da Vera Nardi e resa celebre da Roberto Murolo e Renato Carosone.
Ci sono tante poesie, tante canzoni in lingua napoletana che parlano di amori finiti, amori mai iniziati, amori sbagliati, ma forse nessuna di queste raggiunge la dolcezza di “Voce ‘e notte”(Voce della notte). Una serenata struggente, un pianto d’amore che con la sua semplicità riesce a racchiudere ogni minima sfumatura di una storia tragica. Sul motivo per cui è stata scritta e sull’autore parleremo dopo, adesso cerchiamo di capirne il significato senza preamboli, avendo come metro di giudizio soltanto le emozioni.
Immaginiamo una giovane donna che dorme abbracciata al novello sposo. Nel cuore della notte, viene svegliata da una voce, familiare e solitaria, che canta sotto alla sua finestra, esordendo così: “Si ‘sta voce te scéta ‘int”a nuttata, mentre t’astrigne ‘o sposo tujo vicino” (Se questa voce ti sveglia nella notte, mentre stringi il tuo sposo). La donna riconosce il cantante ed ha un sussulto, ma subito viene calmata dalla sua voce che, nonostante la gelosia, si preoccupa di non farla apparire turbata al marito: “Statte scetata, si vuó’ stá scetata, ma fa’ vedé ca duorme a suonno chino. Nun ghí vicino ê llastre pe’ fá ‘a spia, pecché nun puó sbagliá ‘sta voce è ‘a mia” (Resta sveglia, se vuoi, ma fai finta di dormire profondamente. Non andare alla finestra per vedere, perchè non puoi sbagliare, è la mia voce). Chi è questa voce solitaria? Chi è quest’uomo che nella notte canta ad una donna sposata? “E’ ‘a stessa voce ‘e quanno tutt’e duje, scurnuse, nce parlávamo cu ‘o “vvuje” (E’ la stessa voce di quando entrambi, imbarazzati, ci davamo del “voi”). Due versi raccontano una storia intera: i due giovani, probabilmente, avevano iniziato, come in tutti i corteggiamenti, dandosi del “voi”, per poi arrivare ad un rapporto ben più intimo.
Più intima diventa anche la serenata. L’innamorato cerca di riportare alla mente della donna un passato in cui, loro due, erano insieme e felici in quello che, probabilmente, è il passaggio più bello e poetico di tutta l’opera: “Si ‘sta voce te canta dint”o core chello ca nun te cerco e nun te dico; tutt”o turmiento ‘e nu luntano ammore,tutto ll’ammore ‘e nu turmiento antico” (Se questa voce canta al tuo cuore ciò che non posso e non provo a dirti; tutto il tormento di un amore passato, tutto l’amore di un antico tormento). Il cantante continua stuzzicare manifestando un’intimità sempre maggiore: “Si te vène na smania ‘e vulé bene, na smania ‘e vase córrere p”e vvéne, nu fuoco che t’abbrucia comm’a che…” (Se ti viene una smania di amare, una voglia di baci ti percorre le vene, un fuoco ti brucia dentro…) … ma improvvisamente l’intimità si spezza, come se l’amante ricordasse che la donna desiderata, ormai, appartiene ad un altro e, quindi, ritorna alla realtà dicendo: “…vàsate a chillo…che te ‘mporta ‘e me?” (…bacia lui…che ti importa di me?).
L’ultima strofa è segnata da questa consapevolezza: l’uomo si rende conto che la situazione non cambierà, che la sua è solo la voce di un folle geloso. Immaginiamo che la sua voce venga rotta da un pianto mentre dice: “Si ‘sta voce, che chiagne ‘int”a nuttata, te sceta ‘o sposo, nun avé paura…Vide ch’è senza nomme ‘a serenata, dille ca dorme e che se rassicura…” (Se questa voce, che piange nella notte, sveglia il tuo sposo, non preoccuparti…guarda che non ha dedica questa serenata, digli di dormire e star tranquillo). L’ultima parte è più un modo per convincere se stesso che l’amata, un modo per distaccarsi da quel “tormento antico” e quella follia notturna: “Dille accussí: ‘Chi canta ‘int’a ‘sta via o sarrá pazzo o more ‘e gelusia! Starrá chiagnenno quacche ‘nfamitá…Canta isso sulo…Ma che canta a fá?!'” (Digli così: ‘chi canta in questa strada o è pazzo o muore di gelosia! Si starà lamentando per qualche torto…canta da solo, ma che canta a fare?). Un modo gentile e dolce per dire alla donna: “Non preoccuparti per me, sono solo una voce disperata che piange nella notte”.
Voce ‘e notte
Eppure, quella voce notturna un nome ce l’ha. Fu scritta nel 1903 da Edoardo Nicolardi, sulla musica composta da Ernesto de Curtis, ed aveva un contenuto autobiografico. Nicolardi, all’età di 25 anni, si innamorò perdutamente di una giovane, Anna Rossi, che ricambiava il suo interesse. Tuttavia, erano altri tempi e la ragazza fu data in sposa dalla famiglia, per motivi puramente economici, ad un ricco commerciante ultrasettantenne, tale Pompeo Corbara. A differenza della canzone, però, la storia d’amore di Nicolardi trovò il suo lieto fine: quando Corbara, dopo poco tempo, morì, il poeta riuscì, finalmente, a coronare il suo sogno d’amore sposando l’ormai vedova Anna. Nonostante questo, la “voce ‘e notte” continua a cantare ancora oggi per le vie di Napoli portando a tutti gli amanti disperati, a tutti i cuori spezzati “tutt”o turmiento ‘e nu luntano ammore, tutto ll’ammore ‘e nu turmiento antico”
Tutti abbiamo amato almeno una volta nella vita senza avere avuto il coraggio di confessarlo, per paura di un rifiuto o semplicemente perché pensavamo non fosse il momento giusto. È di questa sofferenza che narra Dicitencello vuje, una delle canzoni più struggenti del panorama musicale napoletano. A ideare musica e testo di questo classico due giovani partenopei: Rodolfo Falvo ed Enzo Fusco. Il primo lavorava nell’ufficio delle Regie Poste, ma sognava la musica. Ha regalato alla canzone napoletana altri brani famosi quali Canzone garibaldina, Tu nun me vuò cchiù bene e Guapparia, oltre a scrivere anche la canzone pubblicitaria ‘O liquore Mago. Morì nel 1937 a causa di una malattia cardiaca. Fusco, invece, fu uno dei più apprezzati artisti di varietà degli anni trenta mentre era impiegato presso le Ferrovie dello Stato. Morì vent’anni dopo l’amico Falvo gettandosi dalla finestra della sua stanza al Vecchio Policlinico di Napoli, dove era ricoverato poiché malato di cancro.
I due giovani durante una delle ore trascorse al caffè Gambrinus, nel 1930, probabilmente mentre parlavano del Regime e delle innovazioni di inizio secolo, si lasciarono andare anche a discorsi più leggeri, discorsi che sapevano d’amore. Composero così Dicitencello vuje.Ma di che cosa tratta? Il protagonista parla a un’amica della donna amata chiedendo di riferire all’oggetto del suo amore i suoi sentimenti. Non dorme e sogna più perché la passione lo sta distruggendo, lo tormenta o non lo fa più vivere. Nell’ultimo verso del brano l’uomo confessa, in realtà, che la donna che ama è proprio la giovane alla quale sta parlando e afferma: “levammece ‘sta maschera, dicimme ‘a verità”. Nello stesso anno la canzone fu cantata per la prima volta, al Teatro Augusteo di Napoli, da Vittorio Parisi che dopo poco renderà famosa anche “Na sera ‘e maggio”.
Lucio Dalla a Napoli
Con il passare del tempo Dicitencello vuje ha conosciuto molteplici interpretazioni italiane e anche straniere. È stata cantata da Roberto Murolo, in coppia con Amalia Rodriguez, e da Alan Sorrenti che aggiunse vocalizzi finali conferendo ulteriore pathos all’intera opera. Nel 1961 Dean Martin la tradusse trasformandola in “Just say I love her”. Fra gli altri interpreti si ricordano Renzo Arbore e l’Orchestra Italiana, Rita Forte, Ivana Spagna, i Ricchi e Poveri, Claudio Villa, Franco Califano e Mariella Nava. Tra gli artisti napoletani si sono cimentati Sal Da Vinci e Gigi Finizio. Questo classico napoletano è stato interpretato anche da cantanti lirici quali José Carreras, Placido Domingo e Luciano Pavarotti. Inoltre, Dicitencello vuje ha ispirato una delle canzoni italiane più belle di tutti i tempi: Caruso. Nel momento in cui Lucio Dalla decise di scrivere “Te voglio bene assaje, ma tanto tanto bene sai, è una catena ormai, che scioglie il sangue dint’ ‘e vvene sai”, fa un chiaro riferimento al ritornello napoletano: “‘A voglio bene assaje! Dicitencello vuje ca nun mm’ ‘a scordo maje. È na passione, chiù forte ‘e ‘na catena, ca mme turmenta ll’anema… e nun mme fa campá”. Entrambe la canzoni, anche se in maniera differente, raccontano di un amore sofferente, di una passione così forte da poter essere indentificato solo con l’aggettivo “assaje”.
Fonti: Melisanda Massei Autunnali, “Caruso: Lucio Dalla e Sorrento, il rock e i tenori”, Roma, Donzelli, 2011
Ezio Guaitamacchi, “1000 canzoni che ci hanno cambiato la vita”, Milano, Rizzoli, 2009
In piazza del Plebiscito, proprio di fronte al celebre Gambrinus, alla fine dell’Ottocento nacque il Caffè Turco. I più illustri esponenti della cultura napoletana si dividevano tra questi due locali che incarnavano in pieno lo spirito autentico della Belle époque napoletana. Mentre il primo prese da subito le sembianze di caffè letterario ed esiste ancora oggi, il secondo, situato al pian terreno di palazzo Salerno, era più conosciuto per gli spettacoli di varietà. Dopo aver cambiato nome nel 1911 in Caffè Tripoli, chiuse definitivamente nel 1932 e fu trasformato in un circolo per gli ufficiali dell’Esercito. Prima che chiudesse, all’antico Turco serviva ai tavolini un ragazzo che con il tempo diede vita ad alcuni dei capolavori della musica napoletana: Giuseppe Capaldo. Se questo nome non vi dice nulla, soffermatevi un attimo sui classici “ ‘A tazza ‘e cafè” ed “Ellampadine”, e capirete l’importanza di questo giovane.
Ma se non vi ricordate neanche di questi titoli non potrete non canticchiare un simpatico motivetto leggendo queste frasi: “Quanno mámmeta t’ha fatta, quanno mámmeta t’ha fatta…Vuó sapé comme facette? Vuó sapé comme facette?..” Ebbene sì, Capaldo, insieme con Salvatore Gambardella, fu anche l’autore di “Comme facette mammeta”, canzone del 1906, seconda classificata al Festival di Piedigrotta dello stesso anno. Ma se questo grande capolavoro fu la prima composizione di Capaldo, Gambardella aveva all’attivo molti più successi. Iniziò a lavorare come garzone nella bottega di ferramenta di Vincenzo Di Chiara, considerato uno degli esponenti della canzone napoletana più conosciuti nel mondo, il quale assecondò la sua passione per la musica introducendolo negli ambienti teatrali napoletani e facendolo partecipare come comparsa agli spettacoli del teatro San Carlo. Dopo essere stato allievo del compositore Achille Longo, insegnante del conservatorio di San Pietro a Majella, il giovane collaborò con numerosi artisti quali Salvatore Di Giacomo e Ferdinando Russo scrivendo diverse opere: da “’E trezze ‘e Carulina” e “Raggio ‘e sole” a “Lili Kangy” e “’A sciantosa”. Fu proprio l’incontro con Capaldo a regalare a Napoli uno dei testi più celebri della canzone umoristica partenopea.
“Come facette mammeta” de I Due Corsari
Oltre ad essere interpretata da Antonietta Rispoli a “L’Eldorado”, stabilimento balneare e café chantant situato nel quartiere di Santa Lucia, “Comme facette mammeta” diventò il cavallo di battaglia di Elvira Donnarumma, prima vera vamp dello spettacolo. E fu proprio grazie alla cosiddetta “capinera napulitana”, una delle interpreti napoletane più famose degli inizi del Novecento, che questa canzone raggiunse un successo nazionale. Con il passare del tempo sono stati numerosi gli artisti, napoletani e non, che si sono cimentanti con questo brano, inno alla bellezza, all’amore e al sesso. Tra tutti come dimenticare le versioni di Claudio Villa, Massimo Ranieri, Renzo Arbore, Gabriella Ferri e Ricky Gianco. Perfino I Due Corsari, duo musicale formato da Enzo Jannacci e Giorgio Gaber, ne fecero una cover in versione rock’n roll nel 1960. Chiamarono così anche l’apposito 45 giri flexy disc pubblicato dalla casa discografica The Red Record come allegato alla rivista musicale, fondata un anno prima, “Il Musichiere”. Oltre a “Comme facette mammeta”, I Due Corsari incisero un secondo flexy disc intitolato “Non occupatemi il telefono”.
Fonti: Paolo Jannacci, “Aspettando al semaforo”, Milano, Mondadori, 2011
Ottavio Nicolardi, “Napoli: quattro passi al sole”, Edizioni Zeta, 1960
Gino Castaldo, “Il dizionario della canzone italiana”, Roma, Armando Curcio, 1990
“L’ultimo suo lavoro è uno dei non pochi ricordi di quel delizioso Mezzogiorno, dove i canti popolari escono spontanei, melodici, e per imitarli ci vuole un’attitudine particolare, della quale il Tosti è provvisto abbondantemente. Il canto napoletano, da lui recentemente pubblicato, è uno dei suoi migliori per il carattere giusto, la snellezza e il fuoco che lo riscalda. S’intitola Marechiare, dal nome di un paesello, in riva al mare, ed i versi, molto graziosi, sono di Salvatore di Giacomo, buon poeta popolare”. Con queste parole, pubblicate sulla Gazzetta Musicale di Milano nel 1886, il giornalista Filippo Filippi sembra aver racchiuso completamente la poesia che si cela all’interno di una delle canzoni napoletane più celebri:AMarechiaro.
Salvatore di Giacomo
Le uniche definizioni che forse non convincono sono “poeta popolare” riferite a di Giacomo, una delle voci più originali della fine del secolo, nonché poeta, scrittore e giornalista, che riuscì attraverso la lingua napoletana a sublimare i più puri sentimenti dell’uomo. Inoltre egli fu capace di creare una leggenda che unita alla realtà consacrò ulteriormente AMarechiaro tra le canzoni più amate del mondo. In un racconto pubblicato sul “Corriere di Napoli” il 6 febbraio 1894, lo stesso di Giacomo narrò l’origine della canzone. Durante una gita fatta con alcuni amici all’Aquarium di Napoli, decise di fare un giro nel golfo a bordo di un vaporetto della Stazione Zoologica. Da lì a Marechiaro il passo fu breve e si ritrovarono tutti in un’osteria situata non lontana dalla celebre “fenestrella”.
Il padrone dell’esercizio confessò alla comitiva che il celebre di Giacomo era stato lì a pranzo e che dopo aver osservato il panorama, compose la canzone. In verità, nello stesso articolo, l’artista affermò che quella era la sua prima volta a Marechiaro. In realtà, come sostengono in molti, il compositore scrisse quegli splendidi versi mentre beveva un caffè seduto a un tavolino del prestigioso Gambrinus. Eppure senza saperlo, di Giacomo aveva descritto una realtà che era esistita davvero. Reale era la finestra con il garofano sul davanzale e reale era anche una giovane che si chiamava Carolina, moglie di uno dei proprietari di quell’osteria dove l’artista si era seduto la prima volta. Dell’ispirazione di Francesco Paolo Tosti, si sa invece, che trasse quella melodia così semplice eppure così ammaliante, ispirandosi alle note intonate da un posteggiatore. L’uomo ogni sera prima di iniziare, con il suo flauto, ad accompagnare le canzoni del suo compagno suonava, per esercitarsi, quello stesso motivetto che apre AMarechiaro. Si narra che di Giacomo per far musicare il suo testo chiese, scherzosamente all’amico Tosti il compenso di una sterlina d’oro. Somma che l’artista pagò pur di contribuire alla creazione della celebre canzone.
Foto: Ciro Discepolo
Ancora oggi per ricordare il luogo che, nella leggenda o nella realtà, ispirò il poeta napoletano, vi è sotto la “fenestrella” di Marechiaro una targa commemorativa a forma di pergamena con il pentagramma della canzone. A rendere ancora più suggestivo il luogo, alcuni garofani rossi riempiono il davanzale per dare vita a una delle storie d’amore più emozionanti della canzone napoletana.
Fonti: Vittorio Paliotti, “Storia della canzone napoletana”, Roma, Newton Compton, 1992
Francesco Sanvitale, Andreina Manzo, “Il canto di una vita: Francesco Paolo Tosti”, Torino, E.D.T., 1996
Emma Giammattei, “Il romanzo di Napoli”, Napoli, Guida, 2003
“Lo stato italiano è stato una dittatura feroce che ha messo a ferro e fuoco l’Italia meridionale e le isole, squartando, fucilando, seppellendo vivi i contadini poveri che scrittori salariati tentarono di infamare col marchio di briganti.”
Antonio Gramsci, uno dei fondatori del Partito Comunista d’Italia, scrisse, nel 1920, queste poche ma concise parole nella sua rivista “L’Ordine Nuovo”. È questa stessa verità che il musicista napoletano Eugenio Bennato ha voluto raccontare quando ha scritto “Brigante se more”.
La canzone nasce come colonna sonora dello sceneggiato televisivo Rai, ispirato al libro di Carlo Alianello “L’eredità della priora”, trasmesso nel 1980 su Rai Uno. Bennato la scrisse nel 1979 in collaborazione con Carlo D’Angiò con cui aveva creato il gruppo musicale Musicanova e con cui, negli anni Sessanta aveva fondato la Nuova Compagnia di Canto Popolare insieme con Roberto De Simone e Giovanni Mauriello. Il regista Anton Giulio Majano chiese ai due musicisti di scrivere il brano più importante dello sceneggiato: un canto di battaglia che potesse rappresentare l’operato dei briganti e potesse essere percepito come loro inno. Inizialmente Bennato e D’Angiò scrissero una ballata romantica estremamente triste che non piacque a Majano. Cantava di un melograno che spuntando fuori stagione, ad agosto, rappresentava un terribile presagio di morte.
Il secondo tentativo vide la nascita di “Brigante se more”, uno dei canti popolari più famosi degli ultimi decenni della musica italiana. Per un periodo sono stati messi in discussione i natali di questo brano e online è uscita una versione avente due frasi differenti: “nun ce ne fotte d’o rre Burbone ma a terra è a nostra e nun s’adda tucca’” era diventato “nuje combattimmo p’o Rre Burbone a terra è a nostra e nun s’adda tucca’; mentre “e si murimmo menàte nu fiore e na bestemmia pe sta libertà” era stato cambiato in “e si murimmo menàte nu fiore e na preghiera pe sta libertà”. Le variazioni erano accompagnate da una spiegazione secondo cui “Brigante se more” di Bennato era un riadattamento di una canzone popolare del XIX secolo.
Il musicista ha deciso anche di scrivere un libro intitolato “Brigante se more – Viaggio nella musica del Sud” per spiegare le origini di questa splendida canzone e per rivendicare la sua paternità: “Evidentemente – spiega Bennato in un’intervista a “Il Sannio Quotidiano” – abbiamo assorbito la lezione della musica popolare a tal punto da farlo sembrare un canto vero. Un brano che ha portato alla luce un argomento tabù della nostra storia, perso nella memoria poiché sui briganti non si sa nulla. Si sono perse tutte le tracce di ciò che cantavano sulle montagne quando si nascondevano poiché, di ogni singolo caso, sono state cancellate le documentazioni”. Indubbiamente i due musicisti hanno avuto il merito di racchiudere in un unico testo un sentimento comune che ha reso questa canzone un po’ di tutti i meridionali che non hanno dimenticato coloro che dovendo scegliere se essere “briganti o emigranti”, non scelsero la strada più facile.
Fonti: Pino Aprile, “Giù al Sud: perché i terroni salveranno l’Italia”, Milano, Piemme, 2011
Gigi di Fiore, “La nazione napoletana: Controstorie borboniche e identità suddista”, Novara, De Agostini Libri, 2015
Eugenio Bennato, “Brigante se more: viaggio nella musica del Sud”, Roma, Coniglio, 2010
Quante volte siete stati rapiti dalla melodia di una canzone? Quante volte avete provato un senso di pienezza, che appaga l’anima, cullandovi sulle note di canti, opere o brani musicali? Mille e più volte, vi siete sicuramente e letteralmente persi nella profondità di determinati testi, che sembra siano stati scritti su misura per ogni momento e per ogni stato d’animo. La musica ci invade e pervade nel profondo: è storia, cultura, folklore ed ha potere curativo. Insomma, musica è sinonimo di vita, che sprizza gioia e dolore da tutti i pori.
Una città come Napoli, che si contraddistingue per il suo immenso bagaglio culturale, è gremita di tradizioni musicali, che tutt’oggi hanno valore storico e culturale, riportato alla luce grazie ai grandi musicisti ed artisti di sempre. Il maestro Roberto De Simone recentemente ha ripreso le cosiddette villanelle, nella sua opera in tre atti “Gatta Cenerentola” ispirata a “Lo Cunto de li Cunti“ di Giambattista Basile. Ma cosa sono precisamente le villanelle? Chi di voi le ha mai ascoltate? Volendo fornire una definizione prettamente tecnica, potremmo dire che si tratta di forme di canzone profana, cantate a tre voci a cappella, appartenenti alla tradizione popolare del 1500 e colonne portanti della storia e della nascita vera e propria della musica napoletana.
Le villanelle sono un vero tripudio di suoni, armonia e ritmo vivace e coinvolgente: il suono di clavicembali, liuti, arpe, cembali, tamburi, cetre e flauti si mescola ai testi poetici, di matrice popolare, scritti inlingua napoletana (non mancano però testi con versi in francese e tedesco). Si raccontano per lo più vicende amorose e ciò che ne consegue.
Villanelle napoletane
Un po’ di storia…
Il termine “villanèlla” significa letteralmente “giovane ragazza di campagna, contadinella” (dal latino medievale “villano”) che si riferisce ad una danza o canzone rustica che aveva come protagonisti per lo più i pastori.
Nel 1536 furono pubblicate quindici “canzoni villanesche” anonime, scritte per lo più in napoletano, dal musicista ed editore De Colonia. Il 23 ottobre 1573 Giovanni da Colonia divulgò, a Napoli, una riedizione della prima raccolta di villanelle impressa su carta. Nel 1550, a Venezia, Baldassarre Donato pubblicò il “Primo libro di canzoni villanesche alla napoletana”, edito da Gardano. Il successo fu immediato, protraendosi nel tempo: ben quattro edizioni susseguirono alla prima (l’ultima risale all’anno 1558).
La villanella si è diffuse ben presto ed a iosa, anche in Europa. Diversi scrittori napoletani hanno documentato il successo che ebbero le villanelle: nel 1600 Tommaso Costo pubblicò il “Fuggiloto”. Di seguito riportiamo una delle tante belle villanelle, interpretata dalla NCCP (Nuova Compagnia di Canto Popolare), intitolata “Sia maledetta l’acqua”.
Per molti tifosi potrà essere solo uno dei tanti ritornelli cantati allo stadio per festeggiare la propria squadra del cuore: il Napoli. Dopotutto nel 2013 una rivisitazione di questo brano, arrangiata da Francesco Sondelli, fu presentata come inno ufficiale della squadra azzurra. Ma in realtà “‘O surdato ‘nnammurato” è molto di più. Aniello Califano, figlio di un importante proprietario terriero di Sorrento, scrisse questa canzone nel 1915. Dopo averla portata all’editore Gennarelli fu musicata da Enrico Cannio. A un orecchio superficiale potrebbe sembrare una delle tante canzoni d’amore che punta su una marcetta insistente che si impone nella mente di chi ascolta. Ciò che invece percepisce un attento ascoltatore è la storia raccontata dietro quelle parole così semplici e così dirette. Sappiamo che a cantare è un soldato, questa informazione è data dal titolo. Il protagonista è lontano dalla sua amata poiché la necessità stessa di dedicarle un testo presuppone l’assenza della giovane. La canzone crea un legame fra i due innamorati ed elimina le distanze rendendo entrambi più sicuri dell’amore dell’altro: “Si’ sicura ‘e chist’ammore comm’i’ so’ sicuro ‘e te”.
Ovviamente leggendo la data in cui fu scritta la canzone non è difficile immaginare per quale motivo il soldato è lontano dalla sua amata. Il 1915 è l’anno in cui l’Italia entra in guerra.La prima guerra mondiale, conosciuta anche come guerra di trincea, vide la nascita di numerose composizioni con al centro proprio il tema del conflitto. “La leggenda del Piave” è probabilmente tuttora la musica e il canto che viene immediatamente associato a quell’evento. Ma insieme con queste canzoni esplicite si sviluppò anche una creatività musicale intimistica in cui il sentimento prevalente era la nostalgia. Dopo non molto tempo dalla sua diffusione, “‘O surdato ‘nnammurato” inizia a diventare un testo scomodo. Ai soldati è vietato canticchiarla, così come ai suonatori al fronte, che cercano di alleggerire le serate dei propri compagni, è proibito intonare le sue note. Ma perché? I fascisti bollarono questa canzone come “disfattista”. Per loro non era un inno all’amore, ma un invito a disertare. Non era una dichiarazione d’amore, ma un affronto al patriottismo e alla voglia che tutti i soldati dovevano avere di difendere la propria terra. Come poteva aver voglia di tornare dalla propria fidanzata un uomo che doveva essere pronto a sacrificare tutto, compresa lei, per il proprio Paese?! Questa canzone era un inno alla propria donna che aspettava a casa, non decantava nessun gesto eroico compiuto al fronte.
Anna Magnani ne “La sciantosa”
Ma nonostante la censura e i cento anni passati “‘O surdato ‘nnammurato” è stato riproposto, nel corso degli anni, da grandi artisti della canzone napoletana. Primo fra tutti Massimo Ranieri, a cui forse appartiene l’interpretazione ufficiale di questo brano. Si sono cimentate a cantarlo anche grandi star come Anna Magnani. Rimarrà nella storia la scena di “La Sciantosa” in cui l’attrice canta con voce rotta ed emozionata questa canzone, dando un suono alla nostalgia provata da tutti quei ragazzi al fronte. Fonti: Marco Pizzo, “La Prima guerra mondiale”, Roma, Gangemi Editore, 2014
Vincenzo Esposito, “Storia de ’O surdato ‘nnammurato”, in Corriere del Mezzogiorno, 2015
Funiculì Funiculà: un’esplosione di note e musica, dai toni inevitabilmente coinvolgenti, caratterizzano quest’allegra ed energica canzone famosissima in tutto il mondo, considerata fondamentale per la nascita della canzone napoletana moderna. Da Castellammare, città partenopea in cui nel 1880 fu stilato il testo da parte dei due autori, curiosamente un giornalista, Giuseppe Turco ed un musicista, Luigi Denza, fu divulgata in tutta Europa. Riscontrò nell’immediato un successo senza eguali: Casa Ricordi, una delle più antiche case editrici, da cui fu edita, nell’arco di un anno riuscì a venderne ben un milione di copie. Un risultato eccezionale.
Fu adottata come vero e proprio sponsor per promuovere la prima funicolare del Vesuvio, costruita nel 1879 ed inaugurata nel 1880. La scelta si rivelò del tutto vincente e di successo: fu un vero e proprio trampolino di lancio, che favorì sorprendentemente l’incremento del numero di turisti, sia stranieri che napoletani, entusiasti di avere a propria disposizione un innovativo mezzo di transito. Fino ad allora infatti la zona si poteva raggiungere solo a piedi, dopo un lungo, faticoso e tortuoso percorso. Le meraviglie del Vesuvio erano dunque “accessibili” a tutti, senza fatica, che permetteva non solo di godersi il panorama ma che suscitava l’insolita ma bella sensazione di sentirsi letteralmente sospesi ad alta quota, magari anche in dolce compagnia!, accompagnate dalle note :“Ncoppa jammo ja’, funiculí – funiculá… Nèh jammo: da la terra a la montagna, no passo nc’è… No passo nc’è… Se vede Francia, Pròceta, la Spagna… e io veco a te!”. Venne cantata per la prima volta in assoluto il 6 giugno del 1880 ma solo grazie al concorso “La canzone di Piedigrotta” ebbe un successo immediato ed inaspettato. Era conosciuta anche con il titolo Canzone napoletana, resa sottoforma orchestrale da Nikolaj Rimskij-Korsakov. Richard Strauss la inserì nel movimento finale del poema sinfonico “Dall’Italia”. Tra i tanti musicisti e cantanti che si sono cimentati nell’interpretazione della canzone, ricordiamo quella di Roberto Murolo.
“Si avisse fatto a n’ato
chello ch’e fatto a mme
st’ommo t’avesse acciso,
tu vuò sapé pecché?
Pecché ‘ncopp’a sta terra
femmene comme a te
non ce hanna sta pé n’ommo
onesto comme a me!”
“Malafemmena”, un termine dialettale (italianizzato in “malafemmina”) il cui significato non si esaurisce solo a quello strettamente letterale, ovvero prostituta, donna di malaffare ma che racchiude in sé un concetto ben più ampio: la malafemmena è una donna che sentimentalmente genera grande ed indescrivibile sofferenza nel cuore dell’uomo che l’ha amata fortemente, dilaniato dai suoi comportamenti poco corretti, altamente discutibili ed assolutamente non consoni alla vita di coppia, che non fanno altro che alterare l’equilibrio della relazione stessa. Insomma, una sorta di “bella e dannata” , una persona cinica che, a causa della sua indole ingannatrice, incute notevoli e grandi pene all’altro, pensando solo al suo benessere.
Persino il grande ed indimenticabileTotò, pur avendo avuto molte donne al suo fianco, è stato segnato profondamente dall’immenso dolore provocatogli dall’unica donna che ha amato davvero, per sua sfortuna una vera e propria malafemmena. In seguito a questa triste esperienza, nel lontano 1951, ha scritto di getto una delle più belle, celebri e struggenti canzoni del repertorio musicale napoletano, intitolata proprio “Malafemmena”. Redatta interamente in lingua napoletana, che rende sicuramente bene i concetti, l’attore ha voluto esprimere attraverso parole mirate, a tratti pungenti, incisive e talvolta tenere, tutto il suo strazio amoroso. Nel testo infatti prevalgono parole ed espressioni forti, incisive, a cui si alterano di tanto in tanto parole dolci nei confronti della malafemmena, non mancano infatti elogi alla donna, nonostante tutto: “Femmena, tu si ‘a cchiù mbella femmena, te voglio bene e t’odio nun te pozzo scurdà… Te voglio ancora bene Ma tu nun saie pecchè pecchè l’unico ammore si stata tu pe me…”.
Si trovava a Formia, per girare le scene di uno dei suoi tanti film, quando trovò l’ispirazione per stilare le prime strofe del brano: al suo autista, il primo a cui fece leggere le graffianti parole trascritte all’istante su un pacchetto di sigarette, non piacque affatto. In effetti non era riuscito a coglierne il vero e profondo significato. Probabilmente solo chi ha sofferto tanto e dannatamente per amore lo avrebbe colto al volo. Sicuramente molti, di generazione in generazione, si sono immedesimati e rispecchiati nella tematica della canzone e probabilmente solo un’artista del suo calibro avrebbe potuto dar vita ad un capolavoro del genere.
Fu Giacomo Rondinella a portare la canzone al successo, in seguito alla sua prima presentazione al concorso “La Canzonetta” di Piedigrotta, cantata da Mario Abbate ed incisa su disco Vis Radio. Tra i numerosi interpreti della canzone, ricordiamo in particolare: Roberto Murolo, Mario Merola e Claudio Villa e Remato Carosone. Nell’immaginario collettivo, inizialmente, si pensava erroneamente che fosse stata dedicata alla donna che si era rifiutata di convolare a nozze con lui, ovvero Silvana Pampanini, miliardaria attrice che aveva conosciuto sul set del film “47 morto che parla”. Solo dopo tantissimo tempo, sua figlia Liliana de Curtis dichiarò la vera identità della malafemmena: con grande stupore, tutti appresero che si trattava di Diana Bandini Lucchesini Rogliani, madre della ragazza nonché moglie dell’attore. D’altronde sulla dedica che accompagnava l’incisione inviata alla SIAE compariva espressamente la scritta “A Diana”. Il motivo di tale “accanimento” contro la donna? Dopo la separazione in casa, i due coniugi si fecero una chiara promessa: lei non avrebbe dovuto lasciare la casa prima che la figlia compisse diciotto anni ma venne subito meno, sposando un altro uomo. Fu così che tradì di gran lunga la sua fiducia, su cui si fonda ogni rapporto, fondamentale e vitale, molto difficile da conquistare ma che purtroppo può essere infranta in un battibaleno. Non a caso ha scritto: “Femmena tu si na malafemmena chist’uocchie ‘e fatto chiagnere… Lacreme e ‘nfamità. Femmena, si tu peggio ‘e na vipera, m’e ‘ntussecata l’anema, nun pozzo cchiù campà”.
Nel video in calce, scorrono le immagini di Totò profondamente commosso, col volto a tratti costernato dalle lacrime, che spiega com’è nata la canzone. Da ricordare che la figura della malafemmena ha ispirato anche un film del 1956, intitolato “Totò, Peppino e… la malafemmina” e che Liliana De Curtis ha scritto insieme a Matilde Ambrosi (biografa della famiglia De Curtis) un romanzo, con lo stesso titolo del brano, che narra l’immenso amore dei genitori, caratterizzato dall’intensa passionalità.
